miércoles, 5 de noviembre de 2014

Frank Miller

Octubre 5 2014

FRANK MILLER
http://www.fanzinedigital.com/cine/33383_1-Frank_Miller_marca_distancias_con_el_Batman_de_Nolan_y_habla_de_su_relacion_con_el_cine_cine.html
 

Frank Miller es uno de los autores más influyentes del cómic mundial de los años 80, conocido sobretodo por haber redefinido e insuflado nueva vida durante los años 80 a Daredevil y Batman, dos personajes "urbanos" emblemáticos de Marvel y DC, en los que ha trabajado repetidamente a lo largo de los años. Durante los 90 se ha dedicado principalmente a obras de creación propia entre las que destacan la serie de género negro Sin City y el cómic épico de ambientación histórica 300 .

Ya entrado el siglo XXI ha vuelto a estar de actualidad al aceptar realizar para DC Comics varios trabajos sobre Batman: Batman DK2: The Dark Knight Strikes Again (2001-2002, una secuela de la obra que le dió más fama), DC All-Star Batman & Robin the boy wonder (2005-, con dibujos de Jim Lee, una historia sobre cómo Batman "recluta" a Robin para su "guerra" particular), que sin embargo han recibido críticas dispares, con un amplio sector de críticas muy negativas. En este periodo también participó en la película de Sin City (acreditado como co-director) y debuta como director en solitario con la adaptación cinematográfica de The Spirit, basado en el cómic del gran Will Eisner, uno de los grandes de la historieta mundial y amigo personal de Miller.
Como curiosidad, comentar que desde los años 80 fue su por aquellos entonces esposa, Lynn Varley, la encargada de aplicar el color (con excelentes resultados) en los cómics que Miller realiza como autor completo. De sus obras de creación propia, se ha producido una adaptación cinematográfica de imagen real Sin City (2005) y 300 (2007), y una serie de TV de dibujos animados de Big Guy and Rusty the Boy robot (1999-2001). 

http://www.guiadelcomic.com/frankmiller/index.htm 

http://cronicasliterarias.com/2013/08/16/resena-batman-ano-uno-de-frank-miller-david-mazzucchelli-y-richmond-lewis/


MINIMAL ART,POP ART,OP ART (SERIGRAFIA)

Octubre 5 2014

INTAGLIO (MINIMAL ART)

Este es un intaglio , el diseño es correspondiente al arte griego.Para realizarlo tambièn me base en el concepto de arte minimalista, el cual se caracteriza por la sencillez ,expresa lo mas posible utilizando el menor numero de elementos.



CARTEL CON PLANTILLAS-(ARTE POP)
Este cartel fue realizado a partir de el concepto de arte pop, el cual se caracteriza por el empleo de colores puros.Tambien tome como referencia el arte griego.Despuès hice los respectivos cortes con bisturi,dando como resultado la plantilla como se ve en la primer imagen, luego use esponja y pinturas para dar finalizacion al cartel y este fue el resultado...







CINTA ADHESIVA (OP ART)
Este es un trabajo hecho a base de cinta adhesiva,cutter o bisturi,lapiz y transfer.
Aqui lo primero que realice fue el diseño sobre la cinta de vinilo.




Despues de haber realizado el diseño...



Luego corte con bisturi las partes de mi diseño y retire las que sobraban.Pegue sobre el diseño el transfer y para finalizar retire la parte trasera del vinilo que quedaba ...



Aqui despues de haber retirado la parte trasera del vinilo, retire el transfer con cuidado...



Y este fue el resultado...


lunes, 3 de noviembre de 2014

LINEAS (COLOR)

Noviembre 3 2014

CATEGORIA LINEAL
En este dibujo use lineas gruesas para el contorno y lineas medianas y finas para los detalles.

LINEAS GRUESAS:Son las que definen el cuerpo del dibujo, normalmente tienen 0,8 mm de espesor.
Contorno: Es usada para contornos y aristas visibles de objetos, también para limitaciones de rosca.

LINEAS MEDIANAS: Son líneas que tienden a ser de 0,4 mm.Contornos ocultos: Indican aristas y contornos ocultos, en detalles no visibles y roscas (DIN)Posiciones extremas y formas primitivas: Así como su nombre lo indica, se usan para indicar formas primitivas y extremas, también para secciones, cortes y vistas inclinadas.

LINEAS FINAS: Son las que se usan para definir detalles específicos en los dibujos, siendo un ejemplo los ejes y líneas de acotado, suelen ser de 0,2 mm de espesor.
Construcción: Son usadas para trazados previos o bloqueados, también para líneas de extensión, de dimensión y de rayado o sombreado.
Rayado de corte: es usado para sombrear la superficie del objeto.





COLOR

Noviembre 3 2014

CIRCULO CROMATICO Y ESCALA DE VALOR
En la primer imagen se puede apreciar la escala de valor , con cada color usando blanco y negro en cada uno .

Las escalas pueden ser cromáticas o acromáticas:
En las escalas cromáticas: los valores del tono se obtienen mezclando los colores puros con el blanco o el negro, por lo que pueden perder fuerza cromática o luminosidad.

La escala acromática: será siempre una escala de grises, una modulación continua del blanco al negro.
http://www.aloj.us.es/galba/DIGITAL/CUATRIMESTRE_II/IMAGEN-PAGINA/2elementos4d.htm

El término ‘círculo cromático’ es utilizado para hacer referencia a la forma de representación geométrica y plana de los colores. El círculo cromático no es más que una simbolización de la escala de colores que forman el universo y que el ser humano puede observar con su visión. Estos colores están dispuestos de manera escalonada y progresiva entre diferentes tonos del mismo color que acercan a uno o utro color distinto.
http://www.definicionabc.com/general/circulo-cromatico.php



Tambien se puede apreciar la escala de grises , y dos dibujos (otoño e invierno),donde use los colores superiores del circulo para otoño y los inferiores para invierno.







sábado, 1 de noviembre de 2014

MOVIMIENTOS ARTISTICOS (COLOR)

Noviembre 1 2014

IMPRESIONISMO

El Impresionismo es un movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que apareció como reacción contra el arte académico. El movimiento impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo. Por extensión, el término también se aplicó a un determinado estilo musical de principios del siglo XX.
El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas clásicos y con las encorsetadas fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes. La Academia fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón parisino. Los impresionistas, en cambio, escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana.
Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos.
Las figuras principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pisarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley. Los impresionistas se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra.
POST IMPRESIONISMO
 
El postimpresionismo agrupa diversas tendencias pictóricas que surgieron en Francia en torno a 1880-1905 como reacción al impresionismo.
Bajo el nombre de Postimpresionismo o neoimpresionismo se engloban múltiples tendencias y estilos. Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos que responden a las inquietudes de los diferentes artistas. A éstos no hay que entenderlos bajo un estilo unificado y definido, sino que la obra de cada uno de ellos responde a la individualidad de sus planteamientos.

Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. Continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.

Este nuevo movimiento propugnado por los disidentes del Impresionismo, perseguía la síntesis en vez del análisis del color, la perfección en lugar de la sensación óptica, la expresión del tema tratado sobre cualquier otro efecto de visión, y otorgaba al pintor -y con él el espectador- un papel más activo, una mayor participación en el análisis psicológico y emocional de los acontecimientos, en lugar de limitarlo a la pasividad de un mero observador.
  FAUVISMO
El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.

Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.

jueves, 30 de octubre de 2014

PLANTILLAS (SERIGRAFIA)

 
Octubre 30 2014

PLANTILLA EN ACETATO Y PAPEL
Estas imagenes son el resultado de un proceso que realice con plantillas.
La primera plantilla fue realizada en acetato y la segunda en cartulina,basandome en el arte pre colombino,tomando elementos ,formas y simbologia de el,para realizar mi propio diseño a partir de el.
Al final lo que hice fue imprimir los diseños de las plantillas sobre la cartulina usando esponja y pinturas,variando la forma de la plantilla,como se ve en la primer imagen.
En la segunda use colores llamativos e imprimi la plantilla de tal forma que se diera la sensacion de secuencia o rotacion en la pieza grafica.

ART NOUVEAU (COLOR)

Octubre 30 2014

ALFONS MUCHA

(24 de julio de 1860 - 14 de julio de 1939) fue un pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau.

Mucha produjo una gran cantidad de pinturas, pósteres, avisos e ilustraciones así como diseños para joyería, alfombras, empapelados y decorados teatrales (litografías) en lo que llegó a conocerse como el estilo Art Nouveau. Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos vagamente neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas. Este estilo fue imitado con frecuencia. De todos modos, Mucha intentó distanciarse de tal estilo a lo largo de su vida, insistiendo que más que adherir a cierto estilo en boga, sus pinturas se originaban en su propia inspiración. Declaró que pensaba que el arte existía para transmitir un mensaje espiritual y nada más; de allí su frustración por la fama que logró a través de un arte básicamente comercial. Por ende siempre quiso concentrarse más en proyectos elevados que ennoblecieran el arte y su lugar de nacimiento. Mucha visitó los Estados Unidos entre 1906 y 1910, retornando luego a tierras checas para establecerse en Praga, donde decoró el Teatro de Bellas Artes así como otros lugares distintivos de la ciudad.





Entre las obras de Mucha hay que destacar su aporte a la pintura. Se pueden observar dos estilos bien diferenciados.
Por una parte una estética realista (de influencia prerrafaelista) y por el otra un estilo similar a sus carteles, es decir influenciado por el Art Nouveau.
En ambos predomina la figura femenina, siempre con las características de las Mujeres de Mucha, entre inocentes y diosas, que también se observa en sus carteles.
También se destacan sus obras en serie o secuencia, como Las 4 Estaciones, Momentos del Día, Las Artes, Las Joyas, Las Flores, Las Estrellas, etc.
Siempre buscó inspirarse en elementos reales y de la naturaleza para crear a estos seres irreales que se asemejan a diosas, hadas o hechiceras. Algunas de sus obras se originaron para calendarios, pero en la actualidad se las aplica en diferentes piezas gráficas, como menús, cajas, paneles, etc.